摘要:莱辛《拉奥孔》是西方18世纪诗画关系理论的经典文本,其中蕴含的跨媒介艺术叙事思想对当代视觉叙事与文学景观的研究具有重要启示意义。论文从跨媒介视角出发,梳理了从“诗画同如”到“时空有界”的理论演进,揭示了诗画跨界的边界观念;进一步探讨了视觉叙事与文学景观之间的互文关系,阐明跨媒介艺术叙事的时空形态建构;最后聚焦视觉书写这一核心方法,从修辞、互文与再现三个维度论述跨媒介艺术叙事的方法论体系。视觉叙事与文学景观的跨界互文既体现了媒介边界的客观存在,又展现了跨媒介艺术叙事的无限可能,为当代艺术创作与理论研究提供了新的观察视角。
摘要:文章从《理想国》卷10的床喻出发,进一步详细考察了卷10中“诗画关系”的论证过程,发现柏拉图分别采用了“相似性方法”和“启发性方法”,尽管柏拉图的论证过程存在缺陷,但通过分析可以发现,柏拉图并不是简单地将诗歌和绘画等同起来,绘画和诗歌之间没有强平行关系。随后,通过这一过程可以进而考察柏拉图对诗歌的看法,因此,将卷3和卷10中柏拉图对诗歌的态度进行对照,发现柏拉图对诗歌的态度并非严格意义上的二元对立,其中蕴藏着其诗学思想的内在复杂性。
摘要:在表现“空间”的绘画作品中,中国传统绘画中的屏与西方传统绘画中的窗,成为画面中的常见元素。屏风与窗户作为建筑元素,不仅是物理意义上的空间分割的媒介,同样也是承载性别、权力与文化隐喻的重要符号。中国绘画的屏通过软隔断的方式表现出内与外的边界,而西方绘画的窗则直接暗示空间关系。二者的差异体现了中西方在空间观念、伦理秩序及艺术表达上的差异。以“屏”与“窗”为切入点,分析中国与西方传统绘画中女性私密空间的构建逻辑与隐喻系统,借助图像学分析与文化符号学解读,有助于进一步揭示屏与窗这两种介质如何映射两种文明对女性身体、道德秩序及权力关系的差异化表达。关键词:屏;窗;女性私密空间;中西绘画;隐喻系统
摘要:在城市化进程中,空间侵占和数字媒介普及等因素催生了群体性孤独与情感失衡的社会心理状态,隐喻性绘画成为艺术家回应这一都市议题的重要载体。文章以审美行动研究法为核心研究方法,系统分析隐喻性绘画的孤立体现在创作传播的小众化、接受反馈的审美隔阂等方面;失衡则集中表现为内容与形式、批判与建构的双重矛盾。文章提出了从创作者个体及生态层面的破局路径,为当代都市隐喻性绘画的发展提供理论参考与实践方向。
摘要:巫鸿(Wu Hung)是著名的美籍华裔美术史家,他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点,重视人类学和美术学的跨学科融通,并形成了自己的独特方法论,致力于推动中国当代美术的研究。巫鸿著述甚丰,其中《中国绘画中的“女性空间”》一书,是其基于长时间对中国女性题材绘画深入探究的成果。“中国绘画中的女性空间”概念是2016年巫鸿在牛津大学的讲演中首次提出的,此后他便以此来整体思考中国绘画中有关女性题材绘画的诸多问题。本文即由此出发,探讨中国古代绘画中建构“女性空间”的核心媒介——“屏风”“手卷”与“册页”,理想空间——“闺阁/庭院”,以及关键意象——“镜”的形式内涵和象征意义,进而继承巫鸿对传统“仕女画”分类的挑战,强调对“女性空间”存在确证与超越范畴局限、凝视机制和性别规范的重要性。
摘要:王微在《叙画》中提出容势构成山水画的特征,山水画中的容势对艺术体验、艺术构思、艺术创作、艺术欣赏提出了“灵”与“心”的要求。王微首次在山水画论中以纯粹的主动的,不涉及宗教哲学情感去规定“心”,即生理性的情感触动。王微还在《叙画》中论述了山水画的功能,包括移情说性、补偿功能。
摘要:数智技术变革当代艺术生态,林风眠艺术遗产彰显超越时代的阐释价值。其“中西融合”理念、形式语言革新及情感本质论与AI生成艺术、沉浸式展陈、跨媒介创作等数字实践形成理论张力。林风眠艺术遗产在数智语境下呈现三重嬗变:文化融合从人文实践转向算法操作,形式革新从二维平面拓展至多维空间,情感表达从单向抒情演进为双向对话。嬗变过程验证了林风眠思想的延续价值,也暴露了技术理性对艺术人文性的消解。传统艺术数智化转型需坚守文化主体性、忠于情感表达、推进创新转化。拓展林风眠艺术遗产的当代阐释框架,可以为数智时代传统艺术转型提供理论参照。
摘 要:在当代水粉画创作中,肌理已突破装饰功能,成为承载情感与精神内核的关键视觉语言。水粉画以水为媒、以粉为底的特性,赋予肌理塑造极强的灵活性与包容性。立足当代水粉画创作实践,结合优秀案例,从肌理生成逻辑切入,剖析材料选择、笔触运用、技法创新路径下肌理与情感表达的内在关联,挖掘其在丰富水粉画表现力、彰显创作个性中的核心价值,为创作者借助肌理传递情感、塑造作品辨识度提供可行的实践思路。
摘要:汉画像石神话图像不仅是汉代人宇宙观、信仰体系与精神世界的视觉载体,也是理解汉代社会结构、文化传承与视觉文化传播的核心材料。基于对中国知网(CNKI)数据库中汉画像石(砖)神话图像的文献梳理,从题材、精神内涵、艺术表现、流变传播四方面进行归纳与评述。阐明目前对于汉画像石神话图像研究的优势与不足,并强调未来需推进跨学科整合与跨媒介研究,以期为汉画像在神话图像的深入研究提供新的思路。
摘要:文章以唐代敦煌藻井为研究对象,通过对其形式构成、图案组合与色彩运用等方面的系统分析,揭示其在构图、象征与审美表现上的形式特征与艺术逻辑。在此基础上,文章重点探讨此类传统纹样在当代美育中的转化路径与应用价值,论述其如何作为重要的美育资源,融入艺术教育、公共审美培育与创新设计等领域,从而在提升国民审美素养、激发文化创造力、增强文化自信等方面发挥积极作用。
摘要:宋代以前,女性画家偶见于绘画史记载,多以零散个案的方式出现,尚未形成连续而稳定的画史位置。进入宋代之后,女性画家在画史中的可见性显著提高,并在元、明、清时期持续被书写。宋代女性画家进入画史,并非仅因艺术实践数量的增加,而与宋代文人画评价体系的转型密切相关。米芾《画史》通过“神骨”“气格”“平淡天真”等评价语汇,重置了绘画判断的重心,由工巧设色转向笔墨气息,为非职业、非制度化的女性绘画提供了描述与评价的条件。邓椿《画继》沿用之前的评价语汇,将女性画家纳入具体人物书写,并通过“能临”“卒难辨”等确认其艺术能力。此后,《图绘宝鉴》《玉台画史》等画史著述延续了这一书写方式。
摘要:《孔子圣迹图》堪称明清时期极具典范意义的儒学图像经典,传世版本以木刻本为主要形态。以刊刻主体为依据,可将其分为藩王官刻本、孔氏家刻本、士人私刻本与民间坊刻本四大类型。诸本普遍采用线性叙事架构,容神异祥瑞符号与儒家伦教叙事场景,建构起独树一帜的图像志范式,兼具儒学官方教化、儒学道统传承与儒学民间传播多重价值意涵。作为动态衍变的儒学传播文本,明清木刻本《孔子圣迹图》为中华优秀传统文化的视觉传承与创新转化,提供了十分重要的历史参照。
摘要:清供传统自汉代佛前插花起源,历经宋明发展,至清代已形成融合礼俗、文人趣味与艺术表现的成熟体系。任伯年作为清代海派的代表性艺术家,其人物画中的瓶花形象承袭自陈洪绶的绘画风格,并在晚清市民文化与艺术商品化的背景下拓展出丰富的功能与内涵。瓶花在任伯年人物画中不仅是构图的重要组成部分,更是人物品格的视觉隐喻、作者情感的寄托载体,同时在题材选择上与画面主题形成叙事呼应。本文拟从象征隐喻、内容关联与社会属性三个维度,对其深层功能与文化意涵展开论述。
摘要:在艺术发展的历史岁月阶段,花鸟画一直葆有旺盛的生命力,其写生理念也随之发展完善。传统花鸟画写生绝不是简单的物象复制,而是蕴含“外师造化,中得心源”这一意义深刻的艺术理念,是画家对自然万物审美体验与情感释放的完美契合。依靠系统的写生实践,我们不仅能透彻理解中国画独有的笔墨语言与章法布局,更能理解传统美学“形神兼备”的艺术要义。本文以艺术史学理论为支撑,有条理地梳理了中国花鸟画写生从魏晋萌芽直至明清成熟的历史演变轨迹,并从方法论层面深入剖析传统写生的观察形式、表现技法和审美意趣,为当代花鸟画创作提供了宝贵的理论参考及实践上的教导。
摘要:清供图作为中国传统绘画题材之一,在当代数字传播语境下呈现出审美表征的“失语”状态。本文引入朗西埃“歧感”理论,旨在探讨如何通过三维动态设计打破传统静态审美在当下年轻群众中的传播壁垒,实现清供图这一文化符号的感官重构。研究通过形态异质化重构、数字材质重建以及动态镜头叙事,构建出一种既具传统文化内核,同时符合“Z世代”审美偏好的数字景观,为传统美学的数字化再造提供理论支撑与实践路径。
摘要:王流秋作为中国现代重要的油画家与木刻家,其艺术生涯深刻内嵌于20世纪中国美术的宏大叙事中。1980年代的改革开放构成了其晚年“第三次变法”的历史语境。面对西方现代主义艺术思潮的冲击与自身写实风格的内在桎梏,王流秋陷入了语言转型的抉择困境。通过“心不在焉,视而不见”的艺术视角,系统梳理其撷英咀华、融合贯通多元艺术资源的探索历程,旨在揭示其风格转型的内在逻辑。作为历经延安革命文艺、新中国苏派教学至新时期自主探索的典型个案,王流秋的风格转型不仅反映了1980年代前后老一代艺术家在时代变局中的共同处境与个体回应,也为中国油画在民族化与现代化交融的路径上提供了一个具有启示意义的实践范式。
摘要:以中国近现代杰出的画家、雕塑家和美术教育家潘玉良为研究对象,以其核心艺术创作人物画为切入点,系统探讨她通过艺术实践建构自觉的女性审美主体,是一个有学术价值的课题。分析潘玉良艺术创作形式语言,探讨其据此确立的非男性中心的审美方式;借由其人物画创作中女性身体形象的再造,揭示其从“被描绘的客体”向“自我定义的主体”的深刻转变。潘玉良以女性创作视角为线索,将东方美学意蕴内化并转化为个人表达,在跨文化语境中确立自身独特的艺术坐标,对现代艺术创作实践有着一定的启示意义。
摘 要: 论文基于艺术生态学的自然生态、社会生态、文化生态三部分内容, 对乌克兰西部地区(利沃夫)的玻璃艺术群体进行研究, 选取五名代表性人物及其代表作进行分析, 从群体特征中得出结论: 该地区属于 “镀钛” 型艺术生态。“镀钛” 不仅意味着形式或技术层面的修饰, 更象征着一种文化机制: 它使传统工艺在新的艺术系统中得以 “被看见” “被再生” “被转译”。利沃夫玻璃艺术的发展路径恰如 “钛” 之于材质——既不是对传统的遮蔽, 也非对现代的盲从, 而是一种表面光泽背后的深层结构联结, 是对文化持续性与创造力的双重表现。
摘要:古斯塔夫·克里姆特(Gustav Klimt)作为维也纳分离派的代表人物,在奥地利现代艺术发展中占据着关键地位。在他的艺术生涯中,古希腊艺术对其风格演变产生了持续而深刻的影响,然而由于相关中文文献的匮乏,国内学界对此尚未给予充分重视。本文拟以克里姆特作品中的古希腊艺术元素作为线索,重新探究该艺术家风格演变的过程与动因。早期受学院派折衷主义教育影响,克里姆特主要通过对古典风格的承袭与模仿,迎合维也纳自由主义中产阶级的审美诉求;随后,克里姆特在分离派时期转而开始频繁挪用希腊古风时期瓶绘上的元素,借用古代符号构建现代艺术的神话;在他因公众争议而退回私人社交圈层后,希腊古风时期的艺术对他的影响逐渐消退,但他依然热衷于从其他古代文明的艺术中寻求装饰的灵感。通过审视克里姆特对古希腊艺术遗产的承袭、挪用与重构,我们可以将克里姆特的创作重新置于具体的社会文化语境中,从而深化理解作品内涵与维也纳文化环境之间的复杂互动,以期对国内相关研究有所补益。
摘要:列宾是俄国19世纪后期到20世纪上半期最伟大的批判现实主义画家,他丰富的表现力和卓越的绘画技巧使他创作出很多经典的作品。文章以列宾的代表作《伏尔加河上的纤夫》为研究对象,该画源于他对现实生活的真实体验,他将他的感受用绘画的形式表现出来。画中纤夫共十一人,分为三组,他们衣衫褴褛,拉着货船沉重地向前行进,狭长的画幅与沉闷的色调烘托出苦难的气氛。通过对画作进行分析,进而与同属现实主义的画作《拾穗者》和《近卫军临刑的早晨》展开对比研究,寻找超越时代性的艺术价值以及社会内涵。
摘要:仕女造像是中国传统人物雕塑中代表性的题材之一,在发展中形成了相对稳定、明确可辨的审美范式,因而承载着种种文化象征意义。从当代艺术的角度系统地梳理仕女造像从汉代至明清的发展脉络,分析各时期在造型语言、形态特征、审美取向的差异,结合各历史阶段的社会文化语境、当代艺术实践案例以及个人的陶瓷创作经验,对传统女性形象的文化意涵与视觉表达方式重新解读,可以得出在当代文化语境中对女性形象进行艺术转化的基本原则:应延续东方美学精神和文化内涵,通过媒介语言的转化以及公共空间的介入,使其在视觉表达和文化意涵上得到进一步的丰富与拓展。这为经典主题的现代转化提供一个切实可行的思路与方法。
摘要:漆艺里的“黑”,并非寻常普通之色,实则是东方美学中“玄”这个概念的具体呈现,同时也是漆画营造独特审美价值以及塑造艺术品格的关键所在。本研究不再将黑漆仅仅视为单调背景或孤立色彩来认知,而是深入解析其作为核心构成要素时包含的哲学思辨,视觉表达的规律以及在当代的存在意义,突破传统对黑漆的简单化认知。对漆艺中黑色的哲学内涵与美学脉络展开追溯,明确其作为空间架构,意境创设以及精神寄托的文化根源,对“计黑为白”法则进行系统阐释,解析黑色在构建画面构造,引领视觉韵律,触发材料肌理方面的重要功用,联立当代漆画实践,探究黑色从物理特质到精神领域的升华之路。研究表明透彻领会并且创新运用“黑”的特质,是漆画沟通传统与当代的纽带,其深厚的底蕴赋予漆画独特的审美印记以及不可替代的艺术气质。
摘要:顾绣作为明代文人绣的典范,其“画绣合一”的独特审美品格在中国刺绣史上占有重要地位。然而,关于其艺术风格的形成机理,尤其是与松江画派之间的深层关联,学界尚缺乏系统梳理。本文立足非遗传承视角,综合运用艺术风格学分析与文献考证方法,深入探究松江画派对明代顾绣艺术风格的具体影响。研究表明,松江画派的审美理念通过文人社交网络渗透至顾绣创作,在题材选择上推动顾绣从民俗图案转向文人画经典母题,在构图经营上实现“画理”对“绣理”的深度介入,在笔墨转译上完成从纸绢到丝线的创造性转化,在设色理念上形成含蓄雅致的文人色彩语言。这种“画绣交融”的实现,根植于晚明松江文人结社、士商交往与女性教育共同构筑的文化土壤。本研究揭示了“绣理循画理”这一顾绣核心特征的形成逻辑,为理解传统工艺与文人艺术的互动机制提供了理论参照,亦为当代非遗的创造性转化与活态传承提供了历史镜鉴。
摘要:东昌府木版年画是我国优秀传统文化的重要组成部分,传承东昌府木版年画就是传承我国优秀传统文化。美育是基础教育的一部分,对学生的全面发展发挥着重要作用。高校美育是美育的重要组成部分,对大学生的审美素养和人格涵养具有重要价值。将东昌府木版年画作为一种美育资源融入高校美育,具有趣味性、审美性与文化性优势。针对东昌府木版年画在资金政策、教学与学生学习兴趣三个方面的美育发展现状,申请专项资金与出台鼓励政策、打造系统化兼具创新性与趣味性的后续课程体系、运用校园资源打造美育文化空间、带领学生走入田野是东昌府木版年画转化为高校美育资源的有效途径。
摘要:褚遂良作为“有唐广大教化主”,其在清代的身份和定位是有争议的。正是由于其面貌的“融合”与“多面”,在清代“碑学”兴起后,其书史身份逐渐被欧阳询所掩,纵观褚遂良的书风流变与欧阳询的书风溯源,可以看出二者在清代审美观念转换中所扮演的角色差异。
摘要:在文化自信不断增强、国潮文化不断兴盛的时代中,传统书画元素凭借着深厚的文化积淀、独特的艺术审美与广泛的社会认同,逐渐成为文创产业创新发展的重要文化依托。本文以文创产业发展逻辑为切入点,深度剖析传统书画笔墨、造型、色彩、意境的文创转化价值内核,系统梳理当前书画文创在设计、传播、产业化中的现实困境。结合故宫《千里江山图》文创系列的典型案例进行实证分析,从元素解构重构、材质工艺融合、数字技术赋能、IP化运营四大路径探索解决困境的创新策略,推动传统书画从艺术藏品走向日用生活,实现文化传承与产业价值的双向共赢。
摘要:在生成式人工智能技术驱动的产业变革浪潮下,数字创意产业的数智化转型为高职院校培育数字创意人才带来了全新挑战。通过对安徽省16所高职院校数字创意相关专业的实证调研,系统梳理数字创意人才培养与AI技术发展之间的适配偏差问题,结合职业教育类型化特征,以“智能插画设计”课程为例,提出以“三支撑,四驱动”为核心的数字创意人才教学模式。该模式从教学整体设计、实施过程、教学评价等维度进行系统优化,推动人才培养范式从作品创作向提供效能方向转变,破解高职院校在AI教育应用中存在的知识断层、技能滞后与素养偏差等方面的问题,最终培养出兼具人机协同和效能驱动能力的复合型数字创意人才。
摘要:在油画创作教学中,运用油画名作分析临摹的方法研究作品的内在结构,即分析油画名作的构图方法、素描关系、黑白灰构成、色彩构成、正负空间构成等,并运用于创作中,以培养学生艺术表现的主观能动性、艺术创作能力、透过事物现象看本质的能力、艺术表现的创新性等,学会艺术表现的主观处理方法、艺术语言的运用,以提高学生的创作水平,并通过艺术传承进行创新。
摘要:新文科建设推动设计专业基础课程深度转型,“色彩构成”作为核心课程亟需理念升级与范式革新。研究立足新文科战略性、创新性、融合性、发展性四大核心特征,构建“目标-内容-过程-评价”四维课程范式,历经三轮教学实践迭代完善。以艺术类“四美”核心素养升维课程目标,以课程思政拓展教学内容,以社会服务革新教学过程、以素质导向重构评价体系,有效破解传统教学中文化失语、知行错位、技道分离等痛点,推动课程从技法训练向综合素养培育转型,为设计类基础课程改革提供可借鉴的实践路径。
摘要:本文针对电竞学院艺术与科技专业创意色彩课程教学中存在的与专业应用脱节以及缺乏审美深度与创新能力等问题,探索将西方经典绘画色彩转化为创意色彩课程资源的教学实践。研究以西方绘画色彩演变为主线,从古典固有色体系、印象派条件色体系到后印象派及现代画派主观色体系,引导学生认识色彩的规律性问题,并在教学中融入游戏作品案例分析阐释。该课程有效提升学生的审美素养与创意设计能力,为创意色彩课程教学改革提供了可借鉴的思路与方法。
摘要:本文通过建筑美术实习课程在宁波慈城的实践教学,着重调研了慈城的传统建筑和地方特色文化,从地方优秀的传统建筑文化和地方特色中挖掘个人与团队的创造力,开拓思维进行课程创新性研究。因此显著提高了学生的团队协作效能与创作能力,并在一定程度上进行了跨学科的融合互动,为建筑美术实习课程注入了更多的教学活力。
摘要:近半个世纪以来,文物保护传承进入数字信息化时代,三维模型已成为文物数字化的主要载体,在存储、修复、传播和展示等领域作用显著。然而,受扫描技术、文物结构及环境等因素限制,激光扫描、近景摄影测量等方式生成的原始模型存在体积过大、表面噪点多、破洞破面多、布线混乱、拓扑困难等缺陷,制约了模型的进一步应用,需后期优化处理。数字雕塑技术作为处理“虚拟化”模型的工具,最初用于辅助艺术创作,其相较于常规三维软件,在处理文物扫描模型时具有更高的流畅度和自由度,可实现基础塑型、雕刻及复杂精细处理,解决扫描模型的缺陷问题。针对模型拓扑后纹理丢失的问题,文章结合案例提出基于数字雕塑技术的解决方案:利用相关软件将扫描模型的纹理贴图转化为表面色彩绘制,通过投射命令传递至拓扑模型,再转换为匹配的纹理贴图。文章通过分析数字雕塑技术在文物扫描模型结构处理与纹理处理中的独特作用,为文物数字化模型的后期处理提供参考,助力文物模型的高效利用与广泛传播。
摘要:艺术是人类表达情感、思想、观念、经验的重要方式。人类可以创造出超越现实生活维度的艺术空间。本文基于吉尔·德勒兹的知觉-影像理论,通过分析梵高画作《星空》与电影《至爱梵高·星空之谜》,探索绘画与影像建构空间的不同方式。影像通过运动镜头、长镜头与蒙太奇的方式,能够创造无限延伸的影像空间,并使观众的感知可以参与其中,实现主观视角与客观视角的融合。影像空间既是对绘画艺术空间的延展,也在一定程度上超越了绘画空间。
摘要:蕾丝元素是一种精细而华丽的装饰图案,在服装设计、室内装饰以及艺术创作等领域被广泛运用,自带柔和浪漫特质,常与女性、温柔等意象深度关联。在当代的艺术语境中,蕾丝元素常被艺术家们用来表达复杂的想法与主题,被赋予隐喻性、观念性的表达功能。从蕾丝的历史发展和文化背景入手,结合西方绘画中的蕾丝表现,探讨其在当代工笔画中的运用与表达。选取罗寒蕾、方正、刘瑶三位画家,解读他们作品中蕾丝元素的具体运用方式和艺术效果,旨在为工笔画的当代创新发展提供新的思路与参考。
作者简介:,河南省华侨书画院副院长兼秘书长,河南省人大书画院副院长。 《山居清晓》92cm×92cm
作者简介:邓虎斌,考古项目负责人,文博馆员。 《小石潭》,国画,53cm×31cm 《鸡峰山道中》,国画,44cm×32cm 《雾锁春山》,国画, 44 \mathrm{~cm} \times 32 \mathrm{~cm}夜雨林如洗山花伴流水 遥看鹿王山幽远什白烟 甲辰秋日忙写大云字 之东山之景 刀王 《鹿玉山夜雨》,国画,38cm×18cm